Película dedicada a Virna Lisi, Monica Vitti y Mariangela Melato.

Sorprende encontrar un relato que transcurra desde un PUNTO DE vista del cine poco explorado: el de un taller de costura donde se confeccionan los vestuarios para la gran pantalla y el teatro. Sorprende también su inicio: el director reúne en una comida a sus actrices preferidas para que lean el guion de su próxima película y decidan si quieren participar. Estamos, pues, ante dos planos narrativos, el de la reunión con las futuras protagonistas y el relato principal, situado en los años 70, en una prestigiosa casa de alta costura. Ferzan sabe de lo que habla. De joven había visitado el taller de la "Sartoria Tirelli" en Roma donde Piero Tosi diseñó los vestuarios de películas tan emblemáticas como El Gatopardo, Muerte en Venecia o La dama de las Camelias, "los talleres de sastrería de cine y teatro me fascinaban; el encanto de esos santuarios de la belleza donde la creatividad florecía con ingenio, dedicación y una intensa diligencia". Y estas son algunas de las virtudes que caracterizan a las estrellas de esta película que, con su vivo ritmo y al compás de canciones de Patti Bravo y Mina, no deja lugar para el tedio. Pero no solo ellas la protagonizan: los alfileres, los hilos, los maniquís, las máquinas de coser y las coloristas telas, cuyos precisos planos transmiten incluso su textura, también colaboran en acercarnos a este taller regentado por dos hermanas muy distintas. Una emprendedora, autoritaria (Luisa Ranieri) y la otra vulnerable y desolada (Jasmine Trinca). Sorprende también el torrente de emociones que se van sucediendo a lo largo de sus 135 minutos. Ilusiones, frustraciones, alegrías, tristezas, rencores, afectos, amores, desamores, etc. van saltando de una mujer a otra, perfilando las historias que se encuentran detrás de cada personaje:  violencia de género, un salario que no llega, depresión de un hijo, duelo por la muerte o abandono de un ser querido o incluso un amor platónico... Pero, por encima de todo, están estas mujeres fuertes, solidarias y que día a día se enfrentan a retos muy distintos: puros diamantes.

Núria Farré. facebook@cinemaperaestudiants.cat

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En Rumanía no existe el matrimonio homosexual. En tiempos de Ceaucescu se castigaba con la cárcel y hasta el año 2000 no se eliminó la legislación en contra de la homosexualidad. Aunque han pasado algunos años, la película está situada en un pequeño pueblo conservador del Delta del Danubio donde los poderes fácticos están más preocupados por mantener una moral reaccionaria que por hacer justicia si esta va en contra de sus principios. Adi, acusado de homosexualidad, será la víctima que aglutinará todos estos poderes en su contra: iglesia, policía y cacique compinchados contra un adolescente que ha venido al pueblo a pasar las vacaciones con su familia. Pero no satisfechos con velar por sus intereses,  utilizan a los padres de Adi, que no saben cómo abordar la situación, para conseguir sus aviesos propósitos: "si silenciáis que mis hijos han agredido al vuestro, yo os perdono la deuda que tenéis conmigo", dice el cacique, o, "con una ceremonia religiosa conseguiré que Adi se cure de su enfermedad", dice el cura que realizará un atávico exorcismo sobre el chico, o, un policía que convence a los padres de que la verdad sobre quién agredió al chico acabará saliendo a la luz pero que suda tinta para hacer que todo quede en una simple anécdota. Y esta sociedad tan cerrada, tan satisfecha de sí misma creerá salvar su honra al averiguar que el amigo de Adi era un turista con lo que el mal provenía de lejos. A Parvú parece interesarle más cuestionar cómo actúan estas dinámicas del poder y de qué mecanismos aviesos se valen para sacar un beneficio propio que analizar el mundo emocional de Adi, expresado a través de unas tomas largas, planos fijo, sin exageraciones dramáticas y con unos sobrios diálogos.

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MÁS VALE "CIENTO VOLANDO" QUE PÁJARO EN MANO

Independientemente de que se conozca o que guste más o menos la obra de Eduardo Chillida recomendaría este documental aunque solo sea para disfrutar de la música de Bach, del sonido de la lluvia en parajes norteños, del cambio de luz con el paso de las estaciones y de las reflexiones sobre el quehacer y la personalidad del escultor, gran admirador de Bach de quien  comenta,"la música es una construcción en el tiempo y el espacio, a Bach como arquitecto no ha habido nadie que se le arrime", de Jorge Guillén, "lo profundo es el aire" y de San Juan de la Cruz, "los valles solitarios, nemorosos, las ínsulas extrañas, los ríos sonoros". ¡¡¡Cómo comparto sus gustos artísticos!!!

En los años 80 , Chillida y su mujer Pilar Belzunces compraron en Hernani un caserío de piedra y madera  del siglo XVI en estado ruinoso. Chillida vio que era el sitio perfecto para trabajar y con el tiempo crear un museo con su obra. Lo hizo restaurar y en el 2000 se inauguró como el Chillida Leku museo. Rodeado de una espectacular naturaleza, los magnolios, robles, plátanos y castaños se combinan en armonía con distintas obras del escultor.  El caserío junto a Jone Laspiur, guía del documental, son los protagonistas que nos ayudarán, a interpretar la obra y el mundo personal del artista. El maestro del hierro y el hormigón, era un hombre introspectivo, profundamente espiritual que huía del halago y de las celebraciones y cuya vida giró principalmente en torno a su obra (tallar, forjar, modelar) como forma  de superarse, de dar forma a sus ideas y de encontrar respuesta a sus preguntas filosóficas. Con el paso del tiempo el creador fue perdiendo el deseo de vender sus obras y el caserío se convirtió en su refugio. Acero, granito, hierro, alabastro y hormigón  transmiten el espíritu y la vida reposada del autor que supo moldearlos.

"El artista sabe lo que hace pero para que merezca la pena debe saltar esa barrera y hacer lo que no sabe'. E. Chillida.

"Formamos parte del camino que otros recorrerán" A. Aguirre

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Dadas las expectativas que se han creado alrededor de la película, fui al pase esperando que se vieran cumplidas. En parte se han visto satisfechas y en parte me han decepcionado, pero siempre me sucede lo mismo con las películas de Almodóvar. Lo cierto es que el director ha dejado atrás su etapa sobrepasada para dedicarse a un cine más contenido, sobrio, con un estilo más académico, una puesta en escena muy precisa y una gama de colores vivos pero no estridentes. Hasta aquí nada que objetar. Pero el director sigue con su costumbre de introducir temas que se apartan del relato central y que generalmente coinciden con la más vigente actualidad.  Si tenemos en cuenta que el tema central de La habitación de al lado es el de una mujer víctima de un cáncer terminal y que recurre a una amiga para que le acompañe en este delicado tránsito y le ayude a tener un final digno, están de más algunos flashbacks que poco aportan y que rompen tanto temática como estéticamente con el hechizo y la intimidad que transmiten las dos mujeres.  

Si me remito a la obra en que se basa la película "Cuál es tu tormento" de Sigrid Nunez (por cierto, nuera de Susan Sontag, que teorizó sobre el cáncer), en dos momentos de la novela un profesor habla sobre el cambio climático y su negativa repercusión en el planeta. Se puede estar de acuerdo o no con su teoría catastrofista, pero habla con conocimiento de causa y está bien argumentado. En la película queda reducido a una charla facilona de bar lleno de tópicos que podría haberse evitado pues resulta ridículo en contraste con la profundidad del tema central. También sería discutible si era necesario el epílogo final (que no está en el libro). Pero prescindiendo de estas escenas un tanto forzadas, la película es toda una lección de vida abocada a una muerte eminente con momentos cargados de poesía donde el amor y los gestos desinteresados son los vínculos que unen a las protagonistas. Martha, Tilda Swinton, ha de librar con dos muertes: la exterior como corresponsal de guerra y la interior con su enfermedad y con una hija que la rechaza. "He tenido la muerte en mis manos, jamás pensé que sería tan ligera". Sin dramatismos innecesarios nos transmite sin tapujos sus sentimientos, su mundo emocional cambiante, su deterioro, sus momentos de aceptación y también los de rechazo, pero por encima de todo su búsqueda de libertad y dignidad a la hora de morir. Ingrid, Julianne Moore, también mantiene desde la ficción su propia batalla contra la muerte, como si esta fuera una opción y no una realidad. En estos días que pasan juntas en una casa en medio de la naturaleza, saldrán recuerdos de otros tiempos, lecturas afines (muy conmovedora el recital de la poesía final de Dubliness, Los muertos, de John Huston), viejas amistades, relación de Martha con su hija, compartirán películas y buscarán la serenidad para enfrentarse al final, todo ello plasmado en unos apropiados primeros planos que expresan la magnitud de las emociones que sienten las dos mujeres. Vida y muerte conviven con naturalidad y delicadeza, intensamente. Las palabras de Faulkner pronunciadas cuando recibió el Premio Nobel, eternas verdades universales sin las cuales toda historia es efímera:  amor y honor, piedad y orgullo, compasión y sacrificio, están encarnadas sutilmente en las dos protagonistas.

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Con "Lulana un yak en la escuela" Choyning nos enseñó que se puede hacer una película hermosa y que consiga captar nuestra atención con un guion y unos personajes sencillos, sin estridencias y rebosante de calidez humana. Nada más lejos de la realidad asociar" El monje y el rifle a religiosidad y violencia". Por el contrario, es una sátira mordaz contra las armas, la violencia y las actuales democracias. El director nació en este país, pero estudió en la universidad de Wisconsin (EUA) lo que le permite conocer los entresijos de las dos culturas.

Tres tramas van alternándose para formar un relato coherente y bien cohesionado: un joven que, a petición de un lama, ha de conseguir un rifle para hacer frente al cambio político desde una monarquía a unas elecciones democráticas; Ron, un norteamericano que ha viajado a Bután para recuperar un rifle de la Guerra Civil norteamericana muy valioso; y la formación a unos ciudadanos que desconocen qué y cómo votar con los consiguientes conflictos y disputas entre vecinos. El cambio de régimen viene acompañado de la llegada de la televisión, móviles, ordenadores e internet que, junto al codiciado rifle son el símbolo de la modernidad. En un pueblo donde reinaba la convivencia y solidaridad se van abriendo camino la codicia, las envidias y rivalidades mezquinas.

El director, inteligentemente, con un tono reposado y sin tomar partido por una u otra opción, parece cuestionarse si el cambio del budismo a un egoísta consumismo merece la pena, pero sin apartar su mirada irónica de unos cándidos ciudadanos reacios a un nuevo régimen. Tal y como ocurría en Lulana, el espectador se siente atrapado por el tono sosegado del relato y por los hermosos paisajes de este pequeño país del Asia meridional que no llega al millón de habitantes.

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A pesar del grave conflicto en Oriente Medio, Tatami es la primera película dirigida por una iraní y un israelita en la clandestinidad y tomando precauciones para evitar injerencias del gobierno iraní. Manteniendo una gran tensión dramática consigue cohesionar, aunque parezcan incompatibles, el tema deportivo, el feminista y el social. En Tbilisi (Georgia) se celebra el campeonato mundial de Judo. Leila, la participante iraní, ha pasado por un duro entrenamiento y todo su esfuerzo está dirigido a ganar la medalla de oro. Pero el gobierno iraní considera una deshonra que tenga que enfrentarse a la participante israelí y que sea derrotada por ella. Agentes políticos iraníes son enviados a Tbilisi con el propósito de obligarla a abandonar. La entrenadora de Leila se debate en un gran dilema afligida como está por una desasosegante historia que vivió en su pasado y que todavía le persigue. Ante la negativa de Leila de renunciar a aquello por lo que tanto ha luchado los agentes las persiguen, las amedrentan y las amenazan con resarcirse en sus familias. Y son estas amenazas y la tensión que provocan en las dos mujeres, la valentía y persistencia de Leila en su defensa de la libertad con las que me he sentido atrapada a lo largo de los 105 minutos de duración. Al final será el destino el que decida la suerte de estas dos jóvenes que nos hablan del drama de miles de mujeres iraníes. La película está inspirada en un percance en la vida real, cuando hace cuatro años, al judoca iraní Saeid Mollaei se le ordenó perder combates para evitar que llegara a competir contra el campeón israelí en Tokio en 2019.  Filmada en un apropiado blanco y negro, destacar el gran trabajo de dirección y de interpretación de Zar Amir-Ebrahimi (Holy Spider) y de Arienne Mandi cuyas escenas en el combate de judo son excepcionales.

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